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El Teatro Municipal Bergidum en Internet

El Teatro Municipal Bergidum de Ponferrada ya tiene presencia en Internet. Un estupendo escaparate al que podemos acceder desde la dirección:

teatro.ponferrada.org  

 Y en donde se puede consultar la programación del teatro, sus características técnicas e incluso reservar y comprar las entradas para las diferentes funciones.

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Qfwfq, en el Teatro Bergidum de Ponferrada

Qfwfq.-
“Ya lo sé. Ustedes no pueden acordarse, pero yo sí, y allí estábamos todos, naturalmente: ¿dónde íbamos a estar, sino? Al espacio y el tiempo nadie los conocía todavía, y además ¿qué hubiéramos hecho con el tiempo, allí apretados como sardinas? Cada punto de cada uno de nosotros coincidía con cada punto de cada uno de los demás en un punto único, que era aquél. O sea, que ni siquiera nos molestábamos, aunque tener siempre en las narices a un antipático como el señor Pbert-Pberd era de lo más cargante...”

Así comienza la historia de Qfwfq, y su familia. Porque en aquel punto, y en todas las historias sucesivas, que también tienen el suyo, estaban igualmente la Abuela Bb’b, el tio abuelo N’ba N’ga, su hermana G’d(w)n, el señor Hnw, el que después se convirtió en caballo, Ayl, Lil y otros muchos y, cómo no, su padre, al que ya entonces no le hacía falta nombre.

El día 24 de noviembre en el Teatro Municipal Bergidum de Ponferrada a las 21:00 horas. El precio de las entradas es de 10 y 8 euros.

De la mano de una de las series de cuentos más imaginativos y sorprendentes que se han escrito en este siglo, una sencilla familia de campesinos nos cuenta el nacimiento del Universo, la condensación de la materia y la formación de la luz y las estrellas. Y luego, ya con más calma, el origen de la vida, del sexo -cómo no- y del tiempo en que la luna pasaba tan cerca de la tierra que se podía subir de un salto, antes de que las mareas la alejaran.

No se trata de teatro del absurdo, ni de ciencia-teatro-ficción, se trata fundamentalmente de humor. De un humor rico, fino, poético e inteligente. No nos atreveríamos a decir tanto de un texto nuestro, pero al ser de un autor consagrado (no es necesario subrrayar la importancia de Italo Calvino en la narrativa contemporánea) nos arriesgamos a echar toda la carne en el asador: sí, señores, el texto del que nos servimos de base, y que hemos respetado mucho -o al menos lo suficiente, a juzgar por la favorable acogida que Esther Calvino ha dado a la adaptación- es un gran punto de partida. ¿Y el resto? Bien.

No se trata, simplemente, de dejar salir un diálogo más o menos acertado, sino de darle carne sobre el escenario. Si la hermosa y suculenta Señora Ph(i)Nk de Italo Calvino da origen al Universo al proponer a los muchachos hacerles un plato de tagliatelle, (con todo el espacio que sabemos que los tagliatelle necesitan), pensamos que no menos se necesitaría para preparar un plato, digamos, más nuestro…

Así pues nuestra familia de seres maravillosos y absurdos se encarna, comiendo pongamos una tortilla de patatas, en los habitantes de alguno de los miles de pueblos dispersos por nuestra geografía, como Quintanilla del Coco, sin ir más lejos (provincia de Burgos), o Arenillas del Riopisuerga, no lejos del primero, o tal vez Pinarejo, en la provincia de Albacete, o Canalejas del Arroyo, Tejadillos del Tremedal o la mismísima Brihuega.

Personajes populares que actúan siguiendo el hilo de los personajes de Calvino, en los que la elaboración imaginativa y precisa del discurso nunca pierde esos tonos cálidos y directos.

Infórmate más en Teatro Meridional.

Ainda presenta: A cor das bágoas (El color de las lágrimas)

El cantautor berciano Ainda ha montado en A cor das bágoas / El color de las lágrimas un espectáculo en el que se mezcla teatro, poesía y música, que busca ir más allá de la mera presentación de su primer libro de poemas.

Ainda : A cor das bágoas / El color de las lágrimas, el 17 de noviembre a las 21 horas. 3 euros en el Teatro Municipal Bergidum de Ponferrada.

A COR DAS BÁGOAS (El color de las lágrimas) es el título del primer libro de poesía editado por el polifacético cantautor Ainda , cuya trayectoria en el campo musical es de sobra conocida. Este título sirve también para dar nombre al original espectáculo músico-teatral que nos propone el autor berciano. Un espectáculo cuya única pretensión es servir de vehículo para acercarnos sin convencionalismos a alguna de sus poesía, a alguno de sus pensamientos y, por supuesto, también a alguna de sus canciones.
Lo habitual en estos casos dentro de los cánones establecidos sería realizar una presentación al uso, un trasnochado recital de poesía o un concierto musical de corte poético. Todas ellas son fórmulas óptimas pero poco arriesgadas. Ainda  de nuevo arriesga, apuesta por la innovación. Guiado por la inquietud y la curiosidad, ha elaborado un espectáculo en el que el teatro, las canciones, el humor, la poesía, el monólogo y el cuentacuentos constituyen la materia con la que se tejen ante el espectador sus sueños y frustraciones, sus defectos, sus pasiones, sus culpas, sus errores y sus miserias cotidianas, tan humanas que casi todos nos reconocemos en ellas.
 

Pero además de esta introspección, en A cor das bágoas (El color de las lágrimas) se reflexiona sobre el arte, la creación, la falsedad del mundo del espectáculo, los mitos, la mentira, la muerte, el desamor… Son las reflexiones e incertidumbres de un hombre que reconoce sobre el escenario que ha llorado y que, al final, ha sabido extraer una pulpa del sufrimiento, ha podido reconocer el color que tienen las lágrimas. Hermoso color.
Sobre el escenario, Aínda pasa a ser el protagonista de un recital que, por unos u otros motivos, parece que nunca va a empezar. En escena, se dan cita otros dos personajes, interpretados por Pablo Ovalle y José Prada, además del músico Jesús Ronda. Mientras se va poniendo todo a punto para que comience el espectáculo, si es que alguna vez comienza, estos personajes van intercambiando diálogos, poemas y canciones con el protagonista.
Entre los cuatro elaboran esta historia que camina por la estrecha línea que separa la realidad de la fantasía, olvidándonos una vez más, como tantas veces, de dónde comienza el personaje real y dónde el personaje de ficción.

Index: El concierto

Disfrutamos, como hace mucho tiempo que no lo hacíamos en el primer concierto de Index, que tuvo lugar el pasado sábado día 4 en el café bar Saxo de Cuatrovientos. Lo primero que nos sorprendió es la cantidad de gente que estos chavales consiguieron convocar en esta su presentación, amigos, familiares, fans y colegas de otros grupos del Bierzo… y después nos quedamos con la calidad de su repertorio y de algunas de las versiones que interpretaron.

Los expertos en el tema lo tenían claro, Andrés bajo de Ukd nos comentó, "Muy buena puesta en escena, sueltos… mucho para ser su primer concierto", Jorge de Ragnar nos decía que sus inicios también estuvieron ligados al Saxo en Cuatrovientos, y le había gustado y recordar viejos tiempos.
No faltarón a la cita representantes de la movida gallega, y Miguel guitarra del grupo compostelano Coda sentenció "son cañeros y tienen una actitud espectacular que es lo más importante."

No en vano el próximo 1 de diciembre ya tienen bolo en el  bar Mario de Fuentesnuevas, por algo será… .
Aquí os dejamos nuestro reportaje fotográfico, una imagen vale más que mil palabras.

 

Aquí los protagonistas.
El Bajo es Saúl.

Javi (a la guitarra) y Aki con su recién extrenada batería.

Daní, mucho más que una voz.

La mascota de Index.

Los protagonistas, el público que disfruto de un buen rato.

Las cosas buenas siempre son recompensadas.

Entrañas, de Titzina Teatro

Los creadores de Sueños de Psiquiátrico nos hablan con emoción y sin sermones de la guerra. La compañía catalana Titzina Teatro obtuvo hace tres años con su primer trabajo, Folie a Deux, Sueños de Psiquiátrico, uno de los éxitos más sonados del teatro independiente español, llegando a hacer más de trescientas funciones en todo el territorio nacional. Entrañas, estrenado hace un año en Santander, lleva el mismo camino. La función, que aborda sin maniqueísmos ni sentimentalismos el tema de la guerra, llega al Bergidum el próximo 10 de noviembre.

Titzina Teatro: Entrañas. 10 de noviembre. 21 horas. 10 euros (8 euros para parados, jóvenes y pensionistas) Más información: http://www.titzinateatro.com/ http://www.jpproducciones.com/

Entrañas es un espectáculo de creación colectiva que se inspira en las entrevistas que la compañía realizó a diversas personas que habían vivido la guerra en primera persona. Entrañas nos habla de Soledad, una chica de Barcelona que justo después de dar a luz recuerda los últimos nueve meses que le han cambiado la vida. Con el anuncio de su maternidad, surge en ella la necesidad de saber más sobre su pasado. Recordando que sabe de su familia se da cuenta que hay una persona (su abuelo) de la que no sabe más que desapareció en la guerra civil española. Es en este momento cuando Sole comienza un viaje por diferentes lugares de España con el objetivo de saber que pasó con su abuelo Josep. Un viaje físico y a la vez emocional que afectará a su vida. Un viaje en el que pasado, presente y futuro se solapan para adentrarnos en un tema que al igual que Sole, muchos de nosotros desconocemos: la guerra.

La crítica ha señalado que “Entrañas nos habla con emoción y convicción, sin sermonearnos, sin aludir a grandes verdades mostradas de manera muy, muy pequeña-, sobre la guerra y las miserias que ésta trae consigo, sobre la (escalofriante) pérdida de la memoria en las generaciones subsiguientes y el peligro de que los viejos errores, con el paso del tiempo, acaben repitiéndose. Entrañas es un montaje sobrio, áspero pero habilidoso, salpicado de momentos bellos -la escena en que Soledad sueña con su abuelo, que parece flotar en el espacio bañado por una luz espectral-, lo cual demuestra que la idea y la forma pueden y deben ir unidas. En resumen, una obra para paladares exigentes”. Los especialistas también han subrayado que “Los actores abordan con con humor, rigor y solvencia por una historia que antepone sin mixtificación alguna la grandeza de quien engendra la vida, a la miseria y circunstancias de quienes la destruyen. Como el tratamiento del tema se aborda por criterios muy del día, alejado de las habituales claves que resaltan los archiconocidos y bienintencionados valores ideológicos, y el resultado del trabajo es excelente —mejor incluso que Folie a deux—, no estaría de más acercarlo a los más jóvenes”.
La compañía TITZINA TEATRO se funda en agosto del 2001 por los actores Diego Lorca y Pako Merino. Tras estudiar y trabajar durante varios años en diversas compañías españolas se conocen en 1999, en la Escuela Internacional de Teatro Jacques Lecoq (París). Tras su experiencia en París se integran en la compañía inglesa Angel-exit, con la que obtienen grandes éxitos en el Festival Internacional de Teatro de Edimburgo 2001. Una vez finalizado el festival deciden volver a España y crear TITZINA TEATRO, una nueva agrupación teatral con la que pretenden difundir un estilo propio; un estilo vivo y creativo capaz de sobrepasar las fronteras de la lengua; un teatro poético, abierto a todos los públicos, en el que se impulsa la fusión de diferentes disciplinas (teatro, danza y música) utilizando el clown, la commedia dell´arte, los bufones y el melodrama como motor de su creación. Su ópera prima, “Folie a Deux, Sueños de Psiquiatrico”, abordó un tema tan desconocido y universal como la locura, convirtiéndose en uno de los montajes más programados de las últimas temporadas. En el Bergidum se vio en marzo de 2004.

Toteking, en la Sala Cotton

Vía Sheepie World nos enteramos que ToteKing, el mejor rapero español vendrá a Ponferrada a dar un concierto el próximo 11 de Noviembre de 2006. Actuará en la sala Cotton de la Gran Manzana a las 24:00. El precio de las entradas será de 10€ por adelantado y 12€ en taquilla y que se pueden comprar en Tick Tack Ticket, Mr. Natural, La eskuela y Colorado.

Os dejamos también un video para que os animéis.

El debut de Index en Cuatrovientos

En su Web podeis escuchar algunos de sus temas, está en www.indexmetal.com.
Aquí os queda este temazo,"Santo Grial".

 

Verónica Forqué y Santiago Ramos protagonizan el ¡Ay, Carmela! de Sanchís Sinisterra

Verónica Forqué, que repite personaje veinte años después, y Santiago Ramos son los intérpretes de la tragicomedia ¡Ay, Carmela!, puesta en escena ahora por Miguel Narros, uno de los directores más importantes del teatro español del último medio siglo.

Compañía de Miguel Narros: ¡Ay, Carmela!, de José Sanchís Sinisterra el Jueves, 2 de noviembre. 21 horas. Precio: 15 y 12 euros. Entradas a la venta a partir del día 23/10.

Carmela y Paulino son dos actores de revista que en plena Guerra Civil española actúan en la España republicana. A causa de un error cruzan las líneas y son hechos prisioneros por los franquistas. Éstos les ordenan que representen un espectáculo para sus tropas y que incluye una parodia contra la República, para hacer burla de brigadistas internacionales que van a ser fusilados. Carmela, indignada, subvierte espontánea-menta dicha parodia pese a los intentos desesperados del apocado Paulino, y acaba siendo fusilada también. Paulino queda solo y no tiene más consuelo que emborracharse y recibir las visitas del espíritu de Carmela. La obra se construye como un gran flash back a partir de los recuerdos de Paulino y de Carmela muerta, e incluye numerosas referencias tanto de tipo político como al teatro popular de la época.

Estrenada por vez primera el 5 de Noviembre de 1987, también interpretada en aquel momento por Verónica Forqué, acompañada de José Luis Gómez, ¡Ay Carmela! se ha convertido desde entonces en uno de los textos más representados de la historia del teatro español contemporáneo, llevado al cine con éxito por Carlos Saura, con Andrés Pajares y Carmen Maura como intérpretes. “Hace ahora veinte años –confiesa el autor-, cuando escribía las últimas líneas de esta obra -con Carmela enseñando a los muchachos de las Brigadas internacionales a pronunciar los nombres del mapa de su muerte: Belchite… Aragón… España-, no podía yo ni imaginar que estas palabras resonarían, con acentos muy diversos, en horizontes tan dispares como Uruguay, Turquía, Suecia, Brasil, México, Alemania, Cuba, Inglaterra, Argentina, Bosnia, Francia, Chile… y un largo etcétera.

Creía, sinceramente, haber escrito un texto humilde y “barato” para que mi modesta compañía de aquellos años, El Teatro Fronterizo, recorriera las tierras de España recordando a mis olvidadizos compatriotas que, cincuenta años atrás, en 1936, las fuerzas más oscuras y retrógradas de nuestra sociedad -tan vocingleras aún hoy- habían desencadenado una feroz guerra fratricida, cuyas heridas no habían sido todavía restañadas”.
La obra de Sanchís Sinisterra siempre presenta un continuo movimiento entre la tradición y las líneas dramáticas contemporáneas, del que es un buen ejemplo su obra Ñaque (1980). El autor señala que “en estos veinte años transcurridos he tenido ocasión de ver algunas de estas extrañas “transustanciaciones” de Carmela, que parece, efectivamente, no querer borrarse, no resignarse al olvido, esa segunda muerte de los muertos… Pero, sin desdoro de otras espléndidas actrices que, tanto en España como fuera de ella -por no hablar de otros tantos magníficos Paulinos-, mi recuerdo preserva nítidamente, debo confesar que la perspectiva de reencontrarme con la Carmela originaria, es decir: con Verónica Forqué, tiene algo de insólito bucle temporal, de acontecimiento mágico. ¿A qué travieso tejedor de destinos debo agradecer tamaño regalo?”

Un millar de visitas en la exposición: El escenario de la ilusión

Cerca de un millar de visitantes ha tenido desde su inauguración, el pasado día 10, la exposición El escenario de la ilusión que, con motivo del décimo aniversario del Teatro Bergidum, puede verse en el Museo de las Cofradías (antigua iglesia San Antonio) hasta el próximo 23 de octubre de 11,30 a 13,30 horas y 18,30 a 20,30 horas los días laborables y de 12 a 14 horas y 18 a 21 horas los sábados, domingos y festivos. Una cuarta parte de ese millar de visitas han sido alumnos de enseñanza media que han recorrido esta muestra en la que es obligatorio tocar las ingeniosas máquinas que el teatro barroco desarrolló para crear efectos de sonido e iluminación.

Visitando al señor Green, dirigida por Juan Echanove en el Teatro Bergidum

Uno de los mejores montajes de la última cartelera madrileña.
Visitando al señor Green fue uno de los montajes más alabados por la crítica en la última temporada madrileña. Un texto inteligente, ágil, lleno de humor y ternura, y una espléndida interpretación de los dos actores protagonistas, Juan José Otegui y Perer Ponce, unido al ajustado trabajo de dirección de Juan Echanove, en su debú en este campo escénico, hace de la función una pura delicia. Una de las mejores obras de la programación de otoño.

Visitando al señor Green, de Jeff Baron, en versión española de Bernardo Sánchez Salas el Jueves, 19 de octubre. 21 horas en el Teatro Bergidum.
Precio: 12 y 10 euros. Entradas a la venta desde el 2/10
Más información, en http://www.pentacion.com y en http://www.visitandoalsrgreen.com

La acción se desarrolla en Nueva York. El señor Green es un hombre de ochenta y seis años que vive solo en su apartamento de Manhattan. Una tarde de marzo recibe la insospechada visita de Ross Gardiner, joven ejecutivo de la “American Express” a quien Green cree no conocer, pero que en realidad fue quien le atropelló con su coche hace unas semanas, razón por la cual un juez le ha condenado a visitarlo todos los jueves, durante seis meses, con el fin de prestarle asistencia domiciliaria. La consecuencia de la sentencia, sin embargo, contrariará de entrada la forma de vida rutinaria, solitaria y un punto maniática que lleva el señor Green, tintorero jubilado, judío tradicionalista y algo misántropo que, en un principio, ha declarado a los Servicios Sociales y al propio Gardiner no tener familia alguna.

“En muchos sentidos –dice Echanove sobre su primer trabajo de dirección-, en las nueve visitas que el joven ejecutivo de “American Express”, Ross Gardiner, le realiza durante dos meses a Mr. Green encuentro una primera síntesis, sólo la primera, de lo que durante doce años como doce puertas he estado buscando en todos los proyectos en los que me he comprometido como actor y/o productor: un teatro que justificara la apertura de la puerta. Es decir, exigirle a nuestro trabajo el llegar hasta dentro, aunque doliera, si esto significaba que habíamos tocado el hueso de la verdad. Visitando a Mr. Green —hilarante en ocasiones, patética en otras— contiene todos esos ingredientes, pero recuerda, además, que la libertad, la apertura, el florecimiento o el amor, forman parte de su misma realidad y que no vienen dados, ni son temas verticales, ni exmáquina, si no que hay que trabajarlos y jugarlos con el mismo esfuerzo y desgaste. Depende de la puerta que abramos (o nos abran) en el teatro y en la vida en cada momento”.

Además de la calidad del texto, toda la crítica ha subrayado el brillante trabajo interpretativo de Juan José Otegui, posiblemente el actor veterano de mayor calidad en nuestras tablas, y Pere Ponce (Cuéntame, Amo tu cama rica…), que está a la altura en la réplica.

El crítico Marcos Ordóñez, por ejemplo, defina la función como “una comedia muy equilibrada, muy bien observada. Con humanidad, con inteligencia, con verdadero cariño y comprensión hacia sus personajes (…) predomina el humor, la ternura, el doble regalo a los actores”.

El escenario de la ilusión: ingenios de sonido e iluminación en el teatro barroco

Sonido e iluminación en el teatro barroco en el Museo de las Cofradías de Ponferrada.
Ver y oir la fuerza del mar en un escenario, sentir el bramar del viento o la caída de la lluvia, observar cientos de luminarias en movimiento… Para conseguir estos efectos, el teatro barroco desarrolló una interesante maquinaria, algunos de cuyos ingenios pueden verse (y tocarse) en la exposición El escenario de la ilusión que, con motivo del décimo aniversario del Teatro Bergidum, puede verse en el Museo de las Cofradías (antigua iglesia San Antonio) hasta el próximo 23 de octubre en una muestra organizada con la colaboración de la Red de Teatros de Castilla y León.

El escenario de la ilusión. Sonido e iluminación en el teatro barroco.
Museo de las Cofradías (Antigua iglesia de San Antonio)
Del 10 al 23 de octubre
Horario Laborables: 11,30 a 13,30 horas y 18,30 a 20,30 horas
Horario Sábados, domingos y festivos: 12 a 14 horas y 18 a 21 horas
Entrada libre

El teatro ha sido un secreto, un secreto de hombres de teatro. Durante generaciones ha pasado de padres a hijos. La tecnología teatral –en el marco de la concepción global escenográfica- se fundamentaba sobre “recetas” de tramoyistas. En la actualidad, el responsable de este trabajo es el escenógrafo. Durante los siglos XIX y XX fue el pintor decorador. En el XVII y XVIII, los magos encargados de estas maravillas fueron llamados ingenieros, pues a ingenios se dedicaban. Eran hombres integrales en artes y ciencias. La simbiosis humanista les facilitó el trabajo con los dramaturgos, con los músicos y compositores. En España triunfó la comedia, el teatro recitado; en el resto de Europa, el melodrama, la ópera.

EL ESCENARIO DE LA ILUSIÓN supone el intento de recuperar la memoria de la técnica teatral perdida para acercarla al público general, a profesionales y a aficionados. Las máquinas dependían de la manipulación del técnico, es decir del hombre de teatro. Aquellos que hacían trabajar la gran máquina del escenario como un reloj: sincronizados y unidos con los músicos del foso de orquesta y con los actores en el escenario. Producir una tormenta en el mar significaba: descubrir una mutación de bastidores completa, poner a funcionar los rodillos de olas, arrastrar un barco que navega entre ellas, hacer girar la máquina de viento, mientras otra máquina producía los rugidos del mar embravecido; a su momento entraría la máquina del trueno; a su vez los encargados de las luces oscurecían el escenario casi al completo cubriendo las luminarias con cilindros y cuidando que no se apagasen, pues en breve luciría de nuevo el sol. Las máquinas de efectos sonoros, en sincronía musical con los instrumentos de la orquesta, con las voces de los actores, con el resto de los tramoyistas que cambian los bastidores. Era una forma de sentir el teatro: sensibilidad por el trabajo en equipo al servicio de la poesía.

En 1640 abre en Madrid sus puertas el Teatro del Buen Retiro. Los madrileños que durante varias generaciones habían aplicado su oído para imaginar el espacio escenográfico en los corrales, comienzan a descubrir las seducciones de los sentidos –en especial el de la vista- en las fiestas que bajo el reinado de Felipe IV, a través de los ingenieros italianos traídos a la corte, se comenzaron a representar. Antes de 1640 estaban reservadas a los miembros de la corte y se celebraron, ya desde el Renacimiento, en salones de palacios adaptados para tal uso. El pueblo participó de fastos en las calles, en las iglesias, en las procesiones, etc. Los escenarios provisionales instalados en algunos palacios como el Salón Dorado del Real Alcázar de Madrid, del Pardo, los del palacio del Duque de Lerma, el Palacio Real de Valladolid, etc, habían servido para introducir ingenios espectaculares hasta donde la provisionalidad del espacio servía. En los corrales también se usaron muchas de las máquinas que reproducimos en este catálogo con las limitaciones espaciales que los teatros públicos ofrecían. En cuanto a los teatros a la italiana -visión frontal, cerrado e ilusionista- se van configurando en busca de un modelo integral del edificio teatral y de su escenario en particular. Este modelo no será una realidad hasta el comienzo del segundo tercio del siglo XVII. Incluso la normalización de los escenarios y su maquinaria se producirá durante ese siglo y el siguiente.

EL ESCENARIO DE LA ILUSIÓN supone mostrar los primeros frutos de una larga investigación en este terreno tan escasamente abonado. Cada pieza teatral expuesta se ha investigado en fuentes documentales y bibliográficas de extraordinario interés y unicidad. Todas las referencias a dichas fuentes las encontrará el lector en las fichas que acompañan a las piezas. Con serias dificultades se ha intentando concretar su producción material: diseño definitivo, medidas, materiales, técnicas, procesos constructivos, etc. Supone riesgos, pero no se han querido rechazar : reconstruir ,por ejemplo, las máquinas de sonidos es casi como reconstruir un instrumento musical extinguido. La exhibición está en marcha, pero para nosotros supone solo un punto de partida: la colección se amplía en el taller.

La muestra se ha estructurado en tres bloque temáticos: Sonido, luz e ingeniería. La mayoría de las piezas se ilustran con selectas acotaciones y fragmentos de textos teatrales españoles del Siglo de Oro, muchos olvidados y desconocidos, a partir del ingente material inédito (ediciones princeps del Siglo XVII) que David Castillejo está rescatando de los fondos de archivo. A el expresamos nuestra gratitud y admiración por su generosidad. De esta forma la muestra entronca directamente no solo con el panorama europeo del barroco, sino de una manera específica, con la práctica escénica española de la época Barroca, contribuyendo a demostrar y poner en valor importantes aspectos teatrales hasta ahora poco estudiados. La parte correspondiente a ingeniería –por su complejidad y extensión- es una mera presentación en público de algunas piezas que de momento no constituyen lo que consideramos una muestra completa: son sólo una pincelada de avanzadilla de lo que será Escenario de la Ilusión II: Ingeniería y escenografía en el Teatro Barroco.

ANTIQUA ESCENA: COMPARTIR LA MEMORIA DEL ESCENARIO

El trabajo que presentamos es fruto de largos años de investigación y de amor por la historia del teatro. Nuestras vidas se vieron inequívocamente dirigidas a la práctica y al estudio del teatro. Por una parte nuestra condición de escenógrafos, por otro haber tenido la oportunidad de trabajar desde hace veintitrés años en el descubrimiento, la restauración y la difusión de lo que se considera la Piedra Roseta del teatro Occidental: el Antiguo Teatro Cervantes –Corral de Comedias desde 1601- de Alcalá de Henares. Este teatro ha sido testigo de cuatro siglos de vida teatral. Nos ha brindado la oportunidad de consagrar media vida a su estudio, y por tanto, interesarnos por todos los aspectos que la escena antigua incorpora.

Trabajar en este singular edificio ha sido también ocasión de colaborar –y aprender- con un selecto grupo de expertos, nacionales e internacionales, en todas las disciplinas que rodean la escena. Su contacto permanente abrió un inusitado interés por profundizar cada vez más en ese riquísimo universo que parece ahora olvidado. El corral de comedias nos hizo comprender la fuerza del espacio poético: la configuración espacial concreta producida en la imaginación de los espectadores a partir de los versos declamados sobre el espacio neutro del Corral. Pronto, en toda Europa, aquellas comedias representadas en teatros -normalmente al aire libre y con un escenario permanente en forma de retablo situacional- comenzaron a convivir con impresionantes espectáculos cortesanos que se daban en lugares cerrados, con escenografía ilusionista y luz artificial. Como los espectadores de corral que descubrieron en el XVII las representaciones palaciegas, nosotros comenzamos hace unos años a adentrarnos en la misma práctica, sin poder presenciarla en directo, buceando entre textos, documentos y dibujos. Ahora aflora en la muestra la punta de un iceberg que nos ha cautivado. Seguiremos trabajando –confesamos no saber por cuantos años- en una empresa que se revela ambiciosa y multidisciplinar. Iremos haciendo crecer la exposición EL ESCENARIO DE LA ILUSIÓN, incorporaremos otras secciones temáticas y ampliaremos las abiertas con materiales nuevos.

Una mirada indiscreta de espectador dentro de las cuatro paredes del escenario. Con los sentidos bien abiertos, ya comenzamos a escuchar versos de actores sobre un escenario, arropados por la actividad entre bastidores de un grupo de tramoyistas que en silencio hicieron su trabajo: mutando en un instante selvas frondosas por palacios encantados; oyendo el rugido del mar, el bramar del viento, la caída de la lluvia; y observar –seducidos- cientos de luminarias en movimiento.

Miguel Ángel Coso
Marín Juan Sanz Ballesteros
ANTIQUA ESCENA

Teatro Cítrico presenta en el Bergidum un texto del ponferradino Carlos Ruiz

Inspirado en la obra Hughie, de Eugene O´Neill, la compañía Teatro Cítrico presenta en el Bergidum De madrugada, un texto del ponferradino Carlos García Ruiz, que también participa como intérprete, dirigido por Macarena Pombo.

De madrugada es una obra que nace inspirada en Hughie, de Eugene O´Neill (1888-1953), considerado uno de los padres del teatro norteamericano. Partiendo de la situación descrita por este autor, que ganó en cuatro ocasiones el Premio Pullitzer y el Premio Nobel en 1936, la obra coloca a dos personajes similares en el centro de Madrid. El resultado es un desarrollo original de la historia que muestra como la situación en el centro de una gran ciudad, y en pleno siglo XXI, sigue siendo terreno para la mejor picaresca.

En la recepción de un viejo hotel del centro de Madrid, Gaby (un cliente bastante especial) se encuentra con Ángel, el conserje de noche. Entre risas e historias poco fiables, Gaby intentará pegar la hebra con Ángel de mil y una formas para conseguir algo más tangible que una buena amistad… En De Madrugada la acción avanza entre Gaby, Ángel y el público, creando una complicidad especial dentro de la misma sala de teatro. De Madrugada es una obra de teatro que apuesta por la importancia de la historia que se cuenta sobre el escenario. Una historia que sucede aquí y ahora, en tiempo real. Una hora y cuarto en la vida de dos tipos muy diferentes entre si, que acaban encajando de una forma bastante inesperada. Dos personajes que se afanan por mostrar sólo una parte de su vida, aunque poco a poco vayan descubriendo su verdadera realidad.

11 de Octubre de 2.006 en el Teatro Bérgidum a las21 horas. 9 y 7 euros es el precio de las entradas a la venta desde el 2 de octubre .
Más información: http://www.teatrocitrico.com .

La dirección de escena es de Macarena Pombo, alumna de William Layton y José Carlos Plaza. Desde hace años combina la dirección de teatro con la dirección de casting para cine junto a Sara Bilbatua, trabajando con directores como Pedro Almodovar, Manuel Gutierrez Aragón, Juanma Bajo Ulloa, etc. La propuesta escénica que elabora se basa en la soledad de ambos personajes, que quieren encontrarse a través de una continua búsqueda de temas. Un interminable ejercicio de ensayo y error hasta encontrar el punto común para ambos. Según Pombo: “La amistad es la única apuesta que los personajes de De Madrugada no pueden permitirse perder. Una amistad a contracorriente, humedecida por la costumbre, atenazada por el aburrimiento, casi a pesar de ellos mismos. Porque sólo se puede ser un ganador, reflejado en la pupila de aquel que te mira desde “detrás”. Porque al otro lado del mostrador, siempre habrá alguien que finja creer tus mentiras; alguien que ría tus chistes; alguien que llore tus penas…”
TEATRO CÍTRICO es una compañía nacida en el año 1999 (antigüo Blasplás Teatro) y formada por profesionales del teatro provenientes de diferentes escuelas. Actualmente la compañía está dirigida por Carlos García Ruiz y Esther Gimeno. Además cuenta con las colaboraciones de Gerardo Herrera, Lourdes Martínez, Israel Giraldo, Carmen Peña y Macarena Pombo. Su línea de trabajo une el teatro para adultos (Medias Naranjas, La Caída del Muro, De madrugada) con trabajos para público infantil y juvenil (Amores Bichos, Medias Naranjas, Pasando de Humos).

La compañía Teatro Cítrico ha participado en diferentes muestras, festivales y circuitos. Desde noviembre de 2005 sale al mercado su propia línea editorial, en la que aparecen los textos que ponen en escena acompañados de fotos y comentarios de los participantes en ese montaje. También en el año 2005 realizo su primera gira por Sudamérica para mostrar sus trabajos visitando Colombia y Perú.

CARLOS GARCÍA RUIZ. Ponferradino. Licenciado en Ciencias de la Información en la Universidad Complutense de Madrid. Doctorado en Teoría, Historia y Práctica del Teatro por la Universidad de Alcalá de Henares. Master en Gestión Cultural por el ICCMU. Cursó Dramaturgia becado por la SGAE en la Escuela de Letras de Madrid con Juan Mayorga, Yolanda Pallín y José Sanchís Sinisterra. Ha dirigido a diferentes grupos de teatro: EJP, Albur Teatro, Blasplás, Teatro Cítrico… Algunos espectáculos dirigidos son Pero,¿quien es Elis J.Pearsson?; Columnas - El hilo de Ariadna; De Madrugada; Mírate el ombligo; Federico, un rato, un minuto un siglo; Medias Naranjas, Cepillo y Pasta (infantil); La Caída del Muro… Como director fue premiado en 1999, en el I Certamen de Teatro de la Comunidad Autónoma de Madrid por Mírate el Ombligo, con el que obtuvo el Premio al Mejor Reparto. Recibió el Primer Premio en el IV Certamen Nacional de Textos Teatrales convocado por la UPM por su obra Medias Naranjas, que fue publicada en el número 282 de la revista Primer Acto. También obtuvo el Premio al Mejor Texto Original en el I Certamen de Teatro Contemporáneo Villa de Barajas. Posteriormente Medias Naranjas ha sido publicada por la editorial La Avispa Teatro. También ha escrito El hilo de Ariadna, Belatorio, La caída del muro, Cuatro palos, Baracalofis, junto a varias escenas cortas. Como dramaturgias sobre otros textos: Macbeth, Calígula, y Hughie. En 2003 Medias Naranjas se estreno en el Centro Cultural de España en Lima, acto al que asistió invitado por la Embajada de España en Perú. En 2005 Baracalofis ha sido estrenada por el Grupo RT de Bogotá (Colombia). Con Teatro Cítrico ha escrito y dirigido LA CAIDA DEL MURO, MEDIAS NARANJAS, y AMORES BICHOS. Actúa en DE MADRUGA

Yllana e Imprebis se unen para llevar a escena el humor surrealista de los Monty Python.

Monty Python Flying Circus daba título a una célebre serie de televisión británica que protagonizaba el irreverentes grupo de cómicos del mismo nombre que apareció con el surrealismo por bandera. Algunos de aquellos mejores sketches se ponen ahora en escena en un montaje en el que han unido sus fuerzas dos importantes compañías: Yllana e Imprebis. Un desternillante espectáculo con el que arranca la programación de abono para el otoño del Bergidum.

Los mejores sketches de Monty Python (Monty Python’s Flying Circus). 6 de octubre. 21 horas. 10 y 8 euros. Entradas a la venta desde el 25 de septiembre. Programa Abono Otoño 2006. http://www.imprebis.com http://www.yllana.com

Los Monty Python se convirtieron en poco tiempo en un grupo cómico de culto después de aquella serie y de un puñado de películas que se han convertido en clásicos: Los caballeros de la mesa cuadrada; La vida de Brian o El sentido de la vida. Combinando ciertas dosis de crítica social y desde un humor absolutamente surrealista basado en el absurdo, los Monty Python crearon un estilo personal e intrasferible. Algunos de sus componentes han alcanzado después la fama en solitario, como Terry Jones y Terry Gilliam como directores y John Cleese como actor. Como curiosidad, es de destacar que los Monty Python dieron nombre al término relacionado con la informática spam, derivado de uno de sus sketchs.

Este montaje rememora los mejores sketchs del programa de televisión, ese circo ambulante que se produjo a finales de los sesenta en Gran Bretaña. El montaje aúna a dos productoras emblemáticas del país, Imprebis e Yllana, que han puesto su talento en conjunto para hacer un espectáculo digno de los cómicos a los que homenajean. Diálogos surrealistas entre Miguel Ángel y el Papa, extraños déjà vieux, chistes mortales de necesidad, ex-loros, concursos televisivos masoquistas, jueces pervertidos, gansters en el ejercito, giris avergonzados en busca de un viaje de placer, son algunos de los sketch salidos del imaginario Python que nutren el espectáculo.
Para Eduardo Haro Tecglen, éste es “un espectáculo tan inglés, tan propio de su humor llevado a un extremo, se tiñe aquí, con este excelente grupo, de algunos excesos españoles más (…) Los cinco actores tienen un adiestramiento físico, gestual y oral en el que han ido creciendo. El público joven de Madrid los conoce de sobra y acuden a la buena cita que les dan: ríen a carcajadas desde el principio, saltan de sus butacas de alegría y gritan y aplauden al terminar”. Juan Ignacio García Garzón, por su parte, en ABC afirma que “la mezcla Yllana-Imprebís funciona a la perfección, las escenas se suceden entre las carcajadas del público en el pequeño escenario del Alfil, que permite una proximidad muy apropiada para el espectáculo. Y los actores realizan un trabajo fantástico de gesto, voz, inflexiones e intención, multiplicándose en los diferentes personajes que encarnan en este carrusel de risas con sentido.”
Co-dirigido por Santiago Sánchez (responsible de Imprebis) y Joseph O’Curneen, la función está interpretada por Antonio de la Fuente, Juan Cañas, Sergio Mur, Sandro Cordero y Richard Collins-Moore.

La Concejalía de Acción Social programa una comedia interpretada por Juanito Navarro.

La Concejalía de Acción Social ha organizado una representación teatral de la comedia Cuerdos de atar, interpretada entre otros por Juanito Navarro, especialmente dirigida a personas mayores.

Producciones Quijote: Cuerdos de atar, de José Moreno Arenas. Martes, 3 de octubre. 19 horas Precio: 3 euros. Precio especial para personas mayores: 1 euro Entradas a la venta el 2 de octubre ORGANIZA: Concejalía de Acción Social

A partir de varios textos de José Moreno Arenas, Ángel Luis Yusta, director del espectáculo, ha organizado una divertida función en buena parte basada en el estilo de sus protagonistas. Juanito Navarro, uno de los cómicos más populares y veteranos (empezó como meritorio en 1945) de la escena española estará a compañado en escena por Tania Ballester, Ángel Luis Yusta y José Albert.

“Juanito Navarro, Ángel Luis Yusta y Tania Ballester, atesoran un acreditado oficio en la ejecución del teatro más popular, desde el sainete a la comedia y en este montaje los tres actores se mueven como pez en el agua con total comodidad. Juanito Navarro nos sorprende ejecutando con acierto un registro lingüístico que condensa todos los tópicos cotidianos, y cuando están juntos Ángel Luis Yusta y Tania Ballester en la pieza titulada EL TUNEL, el nivel de la interpretación coge altura debido a su perfecta compenetración”, ha señalado el crítico Bonifacio Valdivia

Talleres de Artes Escénicas en el Teatro.

El lunes 26 y el martes 27 a las 19:30 en el teatro Bergidum se presenta la muestra final de trabajos de los Talleres de Artes Escénicas titulado: Amigo, ¿compra coco?

Después de cinco meses de diferentes cursos, este lunes 26 y el martes 27 a las 19:30 en el teatro Bergidum, finalizan los Talleres de Artes Escénicas municipales del año 2006 con una muestra de trabajos. La entrada será libre, la duración del montaje es de aproximadamente una hora, y el aforó se ha reducido a 100 personas por sesión. En esta puesta en escena, los alumnos representarán diferentes escenas en las que han trabajado de cara a estas dos funciones.
En total nueve alumnos harán seis escenas de diferentes autores: William Shakespeare, Federico García Lorca, Santiago Martín Bermudez, Juan Mayorga, y Luis Fernando de Julián; la dirección es de Carlos García Ruiz. Se ha plateado este trabajo final como una extensión natural de los talleres de artes ecénicas para testar a los alumnos frente al público, después de cinco meses de cursos, y cerrar el proceso teatral de forma completa. Los Talleres de Artes Escénicas han sido organizados por la concejalía de Juventud y Turismo del ayuntamiento de Ponferrada, y se han desarrollado de enero a junio distribuidos en fines de semana alternos.
Todas las actividades se han realizado en el Teatro Bergidum, en el auditorio del Museo de la Radio y en la casa de CIMA. Se han programado cursos de interpretación, expresión corporal y voz, dramaturgia y análisis de texto, teoría e historia del teatro, o interpretación ante la cámara. También se proyectaron películas de temática teatral y diferentes profesionales del teatro se reunieron con los alumnos para comentar sus experiencias.

Yo, Cervantes, tuve otras cosas que hacer, una recreación en torno a Miguel de Cervantes

Mezclando fragmentos biográficos de Miguel de Cervantes con personajes nacidos de su imaginación, Ramón García Domínguez ha creado Yo, Cervantes, tuve otras cosas que hacer, una pieza con dramaturgia y puesta en escena de Juan Antonio Quintana que ha sido producida por la Fundación Siglo con motivo del año Quijote y que se representará en el Bergidum el jueves, 15 de junio.

Fundación Siglo:
Yo, Cervantes, tuve otras cosas que hacer, de Ramón García Domínguez
Jueves, 15 de junio. 21 horas. Precio: 10 y 8 euros. Entradas a la venta a partir del 29 de mayo en el Teatro Bergidum de Ponferrada.
Más información: http://www.conchabusto.com/cervantes.htm

La obra es una recreación, una ensoñación de la trayectoria vital de Cervantes hecha por él mismo desde el trance final, cuando tiene puesto ya “un pie en el estribo” y está a punto de morir. Por eso todos los personajes, a excepción del propio Cervantes, , están representados por marionetas, trasunto de los fantasmas que concurren al lado del escritor, evocados y convocados por su imaginación y su melancolía postreras. Marionetas que encarnan tanto a personajes reales de la vida del escritor (su padre, su hermano Rodrigo, su esposa Catalina, Lope de Rueda) como a personajes de ficción de su propia obra (Sancho, el Licenciado Vidriera, Don Quijote…).

Todos configuran el cervantino y quijotesco Retablo de Maese Pedro, que será el punto de encuentro de Cervantes con sus espectros, a la par que el eje sobre el que funciona toda la representación y da sentido a la misma, ya que la obra está concebida como un continuo juego teatral entre la realidad y la fantasía, confundidas y relacionadas entre sí.

El mismo título es una frase del escritor: Cervantes dedicó mucho más tiempo a otras ocupaciones que a la escritura. La vida y el azar le llevaron de la ceca a la meca y sólo entre idas y venidas, andanzas y malandanzas logró escribir su obra y crear el más inmortal de los personajes literarios.
La obra cuenta con un reparto amplio de once actores, la mayor parte de ellos manipuladores también de marionetas, entre los que destacan Enrique González “Gigi” en el papel de Cervantes y el propio Juan Antonio Quintana, director del espectáculo, como Don Quijote. Quintana, popular por su participación en la serie televisiva “Ana y los siete”, es uno de los actores más veteranos de la comunidad.

Abundante programación musical a lo largo de junio

Incluyendo un Festival de Jazz de Castilla y León en el Patio del Museo.
Los conciertos de la Joven Orquesta Sinfónica Ciudad de Salamanca, patrocinado por Caja Duero, y de la Orquesta Magistralia, patrocinado por la Fundación Siglo, además de un Festival de Jazz con tres grupos de la comunidad que se celebrará en el patio del Museo del Bierzo, son algunas de las actividades más destacadas del Teatro Bergidum en el mes de junio. Además, se presentará la obra teatral Yo, Cervantes, tuve otras cosas que hacer de Ramón García Domínguez, con dramaturgia y puesta en escena de Juan Antonio Quintana.

La Orquesta Sinfónica Ciudad de Salamanca presentará en versión concierto la ópera Bastián y Bastiana, de W. A. Mozart (17 de junio; 21 horas. 3 y 2 euros; entradas a la venta a partir del día 29/5), en un acto patrocinado por Caja Duero. La Joven Orquesta Sinfónica Ciudad de Salamanca adquiere su actual denominación en 2001, al llegar a un acuerdo con el ayuntamiento de la capital castellana. El concierto está dirigido por Ignacio García Vidal y contará con la participación de la soprano Sara Garvín, del tenor Raúl Alonso y del barítono Luis Juan Santana. Bastián y Bastiana fue compuesta por Mozart cuando contaba sólo con 12 años, basándose en una parodia de la obra de Jean Jacques Rousseau El adivino del pueblo. El concierto es muy apropiado para público familiar.

También dirigido a este tipo de público es el concierto de la Orquesta Magistralia (20 de junio, 21 horas: 2 y 1 euros; entradas a la venta a partir del día 12/6), en el que un narrador irá contando una historia entrelazada con la interpretación de piezas de Vivaldi, Haendel, Beethoven, Wagner, etc. Este concierto está patrocinado por la Fundación Siglo para las Artes de Castilla y León.

Sin salir del terreno musical, aunque en un campo muy diferente, los últimos días del mes se celebrará un Festival de Jazz de Castilla y León organizado en conmemoración del décimo aniversario de la apertura del Teatro Bergidum y que se desarrollará en el patio del Museo del Bierzo. En este festival intervendrán tres grupos: Pilar Heat Quartet (29 de junio), Cova Villegas Sexteto (30 de junio) y José Luis Gutiérrez Cuarteto (1 de julio). Todos los conciertos comenzarán a las 22 horas y el precio de las entradas será de 6 euros, aunque se hará un precio especial para los tres conciertos de 15 euros (Entradas a la venta en el Museo del Bierzo y la taquilla del Teatro Bergidum a partir del 19 de junio)

También el teatro tendrá cabida en la programación de junio con la producción de la Fundación Siglo para las Artes de Castilla y León Yo, Cervantes, tuve otras cosas que hacer, un texto de Ramón García Domínguez con dramaturgia y puesta en escena de Juan Antonio Quintana (10 y 8 euros, entradas a la venta a partir del día 29/5)

OTRAS ACTIVIDADES. A lo largo del mes se realizará también un concierto de la Orquesta del Conservatorio Cristóbal Halffter (16 de junio), otro de la Banda de Música Ciudad de Ponferrada (21 de junio) y de los alumnos de la Escuela de Música Ciudad de Ponferrada (22 de junio). También se llevará a cabo una Gala fin de Curso de Music Danza a beneficio de la ONG Cooperación Balcanes (23 de junio) y un Festival de Danza de la Academia Coppelia a beneficio de la ONG Banco de Alimentos del Sil (29 de junio). Los días 26 y 27 de junio se ofrecerá una muestra del trabajo desarrollado en los Talleres de Artes Escénicas organizados en los últimos meses por la Concejalía de Juventud.

Alarma, una coreografía de Blanca Li para mu.danza

Un fascinante trabajo compuesto de siete piezas cortas La bailarina y coreógrafa Blanca Li, una de las creadoras españolas con mayor repercusión internacional, ha adoptado en Alarma el formato de piezas cortas, componiendo un mosaico de pequeñas historias, a modo de cortometrajes coreográficos. Alarma es un mosaico de siete piezas cortas independientes creadas por Blanca Li, sin duda la coreógrafa española más conocida internacionalmente.
Granadina de nacimiento, Blanca Li vive en París desde hace doce años, aunque ha recorrido con su compañía las cuatro esquinas del mundo y residió durante un año en Berlín como directora del Berlín Ballet. En verano de 2004 puso los últimos detalles a su ultima creación para la Biennale de Lyon, bautizada “Alarme“.

Artista polifacética, Blanca siempre ha estado dispuesta a experimentar. La danza clásica continúa siendo la base de su trabajo, pero lo que le gusta es abrir puertas tanto en la danza como en el teatro, la ópera, o el cine, donde ha dirigido un largometrage de ficción, “Le Defi”. A Blanca Li no le gusta repetirse y su repertorio la avala: “Nana et Lila”, “Salomé”, “Stress”, “El sueño del Minotauro”, “Macadam Macadam”, “Zap! Zap! Zap!”, “Borderline”, “Al Andalus”…
Blanca Li es sin lugar a dudas una ciudadana del mundo y, como ella misma insiste , una incondicional de Europa. Se comprende rápidamente por qué Guy Darmet le pidió participar en su Biennale. «Este encargo ha sido perfecto para mi. Desde hace mucho tiempo quería trabajar sobre un conjunto de piezas cortas, para prescindir de la obligación que tenemos últimamente los coreógrafos de crear unas piezas únicas en cada espectáculo. En la historia de la danza ha habido siempre piezas cortas. Admiro por ejemplo mucho a Martha Graham ó George Balanchine, que firmaron obras maestras de diez minutos. He querido dar forma a muchas ideas que estaban en mi cabeza desde hace tiempo. Y además he encontrado mucho placer trabajando en formatos cortos».
Alarme plantea respuestas a cuestiones sencillas: ¿Que hacer con zapatos de tacón de aguja ? O, ¿cómo se gana la vida en el metro un artista neoyorquino? En lo que se refiere al sonido la coreógrafa no ha perdido nada de su fantasía: en una de las piezas se utilizan cantidad de pequeños instrumentos de plástico que se regalan a los niños en las piñatas para sus fiestas de cumpleaños. Un sonido cutre, un ruido nada refinado, algo que a Blanca Li le gusta. Pero como ella dice, “gran parte del interés de esta pieza es que sea interpretada por adultos”. A pesar de ser desbocado, sin lazo evidente entre los temas desarrollados, el espectáculo puede provocar en su globalidad un cierto deseo de retornar a la infancia, a un mundo donde se transpira emoción, sin control aparente.
Doble Paso, Electrón, Pochette Surprise, Made in China, Promenade, A Minuit, Game Over son los títulos de cada una de las pequeñas piezas que compone Alarma, interpretado por Stéphanie Andrieu, Andrea Bescond , Sabine Petit, Stéphane Lavallé , Emmanuelle Huybrechts, Cyril Lot, Yana Maltseva-Le Gac y Jonathan Ver.

Un concierto a capella que combina música y humor

Dentro de la programación mu.danza, se presenta en el Bergidum el grupo zaragozano b vocal, una peculiar formación que interpreta música de todos los tiempos con el único apoyo de su voz. El concierto está patrocinado por la Cadena COPE.

El grupo zaragozano b vocal lleva once años practicando un estilo personal y diferente de entender la música, creando únicamente con sus voces los más variados sonidos de instrumentos (baterías, guitarras, metales…) además de melodías y coros, realizando así versiones a capella de música de todos los tiempos, y componiendo canciones propias.

mu.danza
b vocal: Cinco voces son risas
Viernes, 19 de mayo. 21,30 horas
Precio único: 9 euros Entradas a la venta a partir del 8 de mayo www.grupobvocal.com

Desde sus primeros espectáculos, estas cinco excelentes voces aragonesas han encontrado la fórmula perfecta para llegar a todo tipo de público, combinando en sus sorprendentes espectáculos la música a capella, el humor y el teatro. En estos once años, b vocal ha recorrido los más importantes escenarios españoles. También han actuado en Festivales de prestigio nacional e internacional y han traspasado nuestras fronteras, entre otras las actuaciones realizadas en París (presentación de Proyecto Expo Zaragoza 2008 junto a Els Comediants) o Bruselas (actuación para la colonia española en Bélgica en el Hotel Hilton).

Además de sus habituales espectáculos, y gracias a la versatilidad de sus recursos musicales e interpretativos, el grupo interviene en galas y actos de toda índole asumiendo la presentación o el entretenimiento musical de los mismos. Son frecuentes sus apariciones en programas de televisión nacional, entre otros la “Gala de Presentación de la programación nacional de la temporada” (Antena 3 Televisión), “Gala del Sorteo de la Copa del Rey de la ACB”, (la 2 de TVE), “Esta es mi historia”, (TVE 1 y Canal Internacional), “La Noche con Fuentes y Cía”, (Tele 5)… “Zap Zap Zapping” (Canal Plus), Gala de Nochebuena de Channel nº 4 (Canal Cuatro) etc.
En el año 2005 el grupo celebró su décimo aniversario y sus mil conciertos realizados, publicando su segundo trabajo discográfico “seis voces…¿nada más?. En octubre de ese mismo año protagonizan una de las más multitudinarias actuaciones musicales de las fiestas del Pilar de Zaragoza, actuando ante unas 100.000 personas en el concierto organizado por M80 radio, compartiendo escenario con la mítica estrella del rock Bonnie Tyler.
El 24 de marzo de 2006 actúan ante SS.MM. los Reyes de España en la Gala de entrega de “Premios Internacionales de Periodismo Rey de España”, organizada por Agencia EFE y celebrada en la Casa de América de Madrid. La actuación de Ponferrada se integra en una gira de conciertos organizada por Cadena COPE en la que actuarán en teatros y auditorios de 40 ciudades españolas

El mundo de Alicia llevado a la danza

La compañía valenciana Anada Dansa ofrece, dentro del programa mu.danza, su espectáculo Soñando Alicia en el que, con el poder evocador de la danza, se ofrece una versión de la obra que el autor británico Lewis Carroll.
Soñando Alicia constituye una lectura muy particular de las dos obras que escribió Carroll sobre este personaje: Alicia en el país de las maravillas (1865) y A través del espejo (1872). Dos obras disparatadas, unas extravagancias escritas inicialmente para niños que acabaron fascinando a los adultos en su juego con la lógica del absurdo y el surrealismo.

Ananda Dansa: Soñando Alicia. Martes, 16 de mayo. 21 horas. 9 y 7 (parados, jóvenes y pensionistas) euros
Entradas a la venta a partir del 2 de mayo. Programa de Abono. Red de Teatros de Castilla y León
http://www.anandadansa.com

En la versión de Ananda Dansa, concebida para el lenguaje de la danza, tan alejado de los constantes juegos de palabras que conforman una de las espinas dorsales del texto original, hay escenas que nos remiten a la Alicia más conocida, como los encuentros de ésta con el conejo siempre apresurado, la oruga, la merienda de los locos, la carrera sin meta para secarse, el extinguido y extravagante pájaro dodo, el rey y la reina de corazones «¡que le corten la cabeza!», la sonrisa del gato invisible, aquí únicamente reconocible por su maullido, y la historia de la cocinera y la doncella …

. Pero dentro de toda esta amalgama de personajes y situaciones, no hemos querido renunciar a lo que, para nosotros, constituye la verdadera esencia de la obra de Carroll: el mundo del sueño y los reflejos de Alicia a través del espejo. Alicia se sueña a sí misma, se sueña soñando, se desdobla y se multiplica hasta el infinito, como quien, rodeado de espejos, observa en ellos su propia imagen. Y se pregunta (¿), llena de admiración (!), ¿cuántas Alicias hay en mi sueño? Ananda Dansa presenta su versión de Alicia bajo la forma de un espectáculo bailado e interpretado, en el que la coreografía se convierte en escritura dramática.

La acción del espectáculo, dice la compañía %u201Ctranscurre en ese ámbito del sueño donde todo se puede fundir y confundir, donde las convenciones se transgreden, los personajes se transforman y multiplican, donde los espacios y tiempos varían arbitrariamente, pues en los sueños nunca es previsible lo que está por venir. Alicia entra alegremente en ese juego y, con la curiosidad de la niña que se ve abocada a crecer, se sueña a sí misma en una especie de viaje iniciático. Busca su propia medida dentro de la inconmensurable realidad que, en definitiva, sólo está acotada por convenciones%u201D. Uno de los intérpretes de Soñando Alicia, el también coreógrafo Toni Aparisi, ha sido nominado al premio al mejor bailarín en la última edición de los Premios Max de las Artes Escénicas

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